Eine überdimensionierte Staubschutzmaske, eine vergrößerte Kabeltrommel, ein aus der Wand ragendes Sägeblatt, eine Leiter aus Kabeln oder ein Händedruck – viele Arbeiten von Erik Andersen beziehen sich auf Objekte und Gesten aus dem Arbeitsalltag von Künstler_innen. Seine Bilder und Skulpturen sind aufwändig gefertigt, ästhetisch reduziert und konzeptuell pointiert. Sie leben von minimalen Eingriffen, wodurch die Gegenstände transformiert, ihre Funktionen ad absurdum geführt und Widersprüche erzeugt werden. Bei Betrachter_innen werfen sie Fragen auf, lösen Unsicherheiten aus oder fordern Partizipation ein.

Die Arbeit Cut besteht aus einer schmalen, scharfkantigen, mehrere Meter langen Rille, die in etwa 30 cm Höhe parallel zum Boden verläuft. An ihrem Ende scheint ein Sägeblatt aus der Wand zu ragen. Durch diese geringfügige Intervention werden bestehende Wände und Räume selbst in künstlerische Arbeiten überführt. Vermag sie auch, sie zum Einstürzen zu bringen? Die Wand als das Gebäude stützende, den Raum herstellende und dessen Innenleben schützendes Objekt gerät plötzlich ins Wanken. Fest und verlässlich vorhanden geglaubte Strukturen werden in Frage gestellt. Eine andere Skulptur besteht aus einer aus Verlängerungskabeln zusammengeknoteten Rettungsleiter, die nur durch ihren Anschluss an zwei Steckdosen an der Decke gehalten wird. Trägt diese Verbindung das Eigengewicht der Leiter? Oder wurden ihre Kabel zusätzlich fixiert? Würde sie gar dem Gewicht einer Person standhalten? Dem Reiz, das zu prüfen, kann ohne eine Zerstörung der Arbeit nicht nachgegangen werden.

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Die vergrößerte Kabeltrommel aus Epoxidharz mit schwarzem Pigment liegt auf dem Boden und irritiert. Handelt es sich um ein Überbleibsel von Aufbauarbeiten, ein Ready-made oder eine klassische Skulptur? Auf den zweiten Blick sind deutliche Spuren des Arbeitsprozesses zu sehen: Überschüssiges Material, dass aus den Schalen gelaufen ist, Nahtstellen, die nicht kaschiert wurden. Die Skulptur legt ihren eigenen Entstehungsprozess offen. Das Kabel dreht sich um die Trommel und steckt oben in ihrer eigenen Steckdose. Sie scheint ihre Energie nur aus sich selbst zu speisen. Ein in sich geschlossener Kreislauf, der sich selbst genügt und gleichzeitig über eine anziehende Materialästhetik verfügt – ein mattes Schwarz, auf dessen Oberfläche das Licht sanft gebrochen wird und das zum Anfassen animiert. Das Objekt könnte auch eine augenzwinkernde Metapher für ein traditionelles, verklärtes Künstler_innenbild sein: das aus sich selbst schöpfende Genie, das keinerlei äußere Einflüsse benötigt. Doch die Arbeit Maske (Selbstportrait) offenbart ein anderes Künstler_innenverständnis und konterkariert zugleich das klassische Portrait: Statt des eigenen Kopfes wird eine Staubschutzmaske, ein klassischer Arbeitsgegenstand des Künstlers, präsentiert. Lediglich im Inneren der Maske verrät der Eindruck seiner Mundpartie einen Teil seiner Silhouette. Der Künstler zeigt sich nur durch seine Absenz und tritt hinter seiner Arbeit zurück. Diese Haltung ist auch bei seinen Gemälden zu spüren: Bei der Canvas-Serie handelt es sich um abstrakte Malereien, die sich auf das Material und die Struktur der Leinwand selbst beziehen. Die Leinwände stellen sich selbst dar, sie sind abstrakte Gemälde und leere Projektionsflächen zugleich.

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Viele Arbeiten von Erik Andersen fordern ihre Betrachter_innen dazu auf, gedanklich wie räumlich neue Perspektiven einzunehmen. Canvas #2 führt das auf sehr direkte Weise vor: Die monochrom schwarz lackierte Leinwand wird etwa einen Meter von der Galeriewand abgerückt präsentiert und ermöglicht so einen Blick auf ihre Rückseite und ‚ hinter die Fassade’ (lat. Facies für Angesicht,Anblick). Neugierige Betrachter_innen entdecken eine abstrakte Malerei der Canvas-Serie. Auch bei diesen Bildern interessieren Erik Andersen skulpturale Fragestellungen wie ihre Vielansichtigkeit, ihre Materialität und ihr Raumbezug. Ihr Ausstellungskontext und die (auch räumliche) Partizipation von Besucher_innen werden stets mitgedacht.

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Seine Arbeiten haben vielfach Objekte, mitunter aber auch soziale Interaktionen zum Ausgangspunkt: Ein Handschlag ist eine alltägliche, eher förmliche und doch intime Geste. Trotz der Flüchtigkeit ihrer Berührung sagt sie viel über ihr Gegenüber aus – behauptet Sicherheit, verrät Unsicherheit, lässt Empathie erspüren, Zugewandtheit wie Distanz sich offenbaren. Sie vermag es, Vertrauen auszudrücken und herzustellen. Der überdimensionierte, etwas über Hüfthöhe von der Decke hängende Handschlag aus Keramik von Erik Andersen wirkt fest und verspricht Verbindlichkeit. Die beiden ineinander greifenden und innen hohl scheinenden Hände animieren Betrachter_innen dazu, ihre eigenen Hände in die Öffnungen links und rechts zu stecken. Die Skulptur regt zufällig aufeinandertreffende Menschen zu einer persönlichen Begrüßung an – und negiert sie vordergründig, denn die Öffnungen sind nicht miteinander verbunden. Sie unterwandert Erwartungshaltungen, irritiert und verhandelt Grenzen und Potenziale menschlicher Kommunikation.

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Erik Andersen's Werke sind von Alltagsobjekten und - gesten inspiriert, die häufig im Arbeitsumfeld von Künstler_innen zu finden sind. Sie spielen mit deren Versprechen und den Erwartungshaltungen der Betrachter_innen. Sie irritieren und laden auf humorvolle Weise ein, physisch oder imaginativ zu partizipieren. Viele seiner Arbeiten werden erst durch die Mitwirkung der Rezipient_innen vollendet: durch eine Begrüßung, einen Gang hinter ein Werk oder das gedankliche Umstürzen von Wänden. Seine objektbezogenen Arbeiten stoßen Prozesse an, erzeugen fruchtbare Momente und zelebrieren die Vielzahl daraus resultierender unerwarteter, merk-würdiger, anregender, absurder wie wunderbarer Möglichkeiten.